Plata Quemada

Como lo manifestó el señor Franco en Rompecabezas y como lo justifiqué en Un Oso Rojo, El Guionista ha decidido prestarle más atención al cine nacional. La elegida de hoy es una película bastante controvertida y polémica, en todo sentido. Yo había visto algún fragmento cuando tenía 11 ó 12 años y decidí que sería mejor mirarla en otro momento de mi vida. Aquí estoy para saldar esa cuenta cinéfila pendiente: les presento Plata Quemada, un film muy picante, basado en una historia real, cuya crítica será mayormente dirigida a aquellos que ya la vieron que a los que no.

Liberal Arts

Pasada la Navidad, la Noche Buena y todas las consecuencias de esta celebración de fin de año, recién ayer pude volver a dedicarle una noche completa a la actividad que tanto disfruto y que nos convoca casi a diario en nuestro querido Guionista. Y como venía con una abstinencia peliculística de un par de días, decidí meter doble función y ponerme al día con algunos títulos que tenía en carpeta. En primer lugar, vi Buried o Enterrado, la que lo entierran a Ryan Reynolds en el desierto de Irak y no puede salir del sarcófago de madera ese. Ya la había visto en el cine en su momento pero la quería volver a ver con el objetivo de tenerla fresca para hoy, jueves, comentarla aquí como corresponde. Pero, como verán, hubo cambio de planes. ¿Qué hizo que yo, persona estructurada si las hay, cambiara mi plan para que hoy les recomiende otra película? Casi exclusivamente porque no tenía nada que hacer, ayer luego de ver Enterrado manoteé el DVD de Liberal Arts, una de mis tantas comedias románticas que están ahí, esperando por momentos como ese en el que no hay nada para ver y todavía es temprano para irse a dormir. El resultado: una de las tres o cuatro mejores películas que vi este año.

Un Oso Rojo

Todos sabemos que el especialista en cine argentino, en El Guionista, es Facundo Franco. Él disfruta tanto de ver las sobresalientes actuaciones de Ricardo Darín (El Hijo de la Novia, XXY) como las homogéneas comedias de “el Chueco”, Adrián Suar (Dos más dos, Un novio para mi mujer). No obstante, a veces me sorprendo de mí mismo cuando siento curiosidad por el cine surcoreano o escandinavo y no por el nacional. A partir de ahora, eso cambio: empezaré a involucrarme más con las producciones propias e incluso llegaré a sorprenderlos con las elegidas. Hoy les traigo Un Oso Rojo, cinta muy recomendada por mi padre; así que si algún día se encuentra leyendo este texto, sabrá que es dedicado a él.

Gone Baby Gone

Si uno se toma el trabajo de tomar la caja del DVD de la película que hoy es protagonista de nuestro querido blog, verá que en la solapa de la misma encontrará las cosas habituales que esta parte del empaque suele incluir, como la duración del film, quiénes son sus protagonistas, de qué se trata la historia y algunas fotos o capturas de sus momentos más representativos, siempre cuidándose de no revelar información importante. Y, como también ocurre en la mayoría de los casos, verá que en su parte superior hay una especie de frase o eslogan que busca hacer las veces de gancho, como un elemento más para tentar al espectador que está buscando algo bueno para ver. En el caso de Gone Baby Gone, la frase en cuestión reza “hablarás de ella durante días”. Al margen de lo ambiciosa o pretenciosa que esta sentencia pueda parecer, yo la tomé como un condimento más de una película que ya había llamado mi atención por otros motivos que ya desarrollaré, por lo que me senté a verla para, entre otras cosas, ver si cumple esta promesa hecha en la cajita del disco. Y como el objetivo de generar interés e intriga en el público no se limita solo a los diseñadores de la cubierta de un DVD, terminaré este párrafo introductorio diciendo que si quieren saber si la película le hace honor a la frase citada, no tienen más que hacer clic en el siguiente “Seguir leyendo”.

Fisshu Sutôrî

Hacía bastante tiempo que en El Guionista no se hacía presente el cine de lejano oriente. En este caso, el país elegido nuevamente es Japón, pero con una particularidad: las anteriores dos veces que recomendé películas niponas, ambas eran de animación (Akira y Paprika). Creí que estaba siendo algo injusto, encasillando al país del implacable goleador (?), Takahara, con los “dibujitos” y decidí ver una película con actores de carne y hueso. Entonces, la elegida fue Fisshu Sutôrî, conocida mundialmente como Fish Story y carente de traducción para el idioma español, aunque no debería salir de “La historia de un pez” o “Si yo fuera un pez”.

Rompecabezas

Como ustedes saben, la llegada del verano trae consigo varios elementos: arena, agua, pan dulce, regalos, trajes de baño, gente tratando de perder 40 kilos en tres días para poder entrar en un traje de baño, el tema del verano, la pelea mediática del verano, el boludo que se quema tirando cohetes el 31 de diciembre a la noche, la nota de Crónica con “el primer turista de la temporada en entrar a Mar del Plata con el auto”, las ofertas para comprar aires acondicionados o ventiladores de techo, la nota de Crónica desde algún sanatorio del conurbano con “el primer bebé del año” y, como no podía ser de otra manera, las ceremonias de premios yankees que se encargan de homenajear a lo mejor del año, cinematográficamente hablando. Queda claro también que desde este espacio nos encargaremos de hablar sobre este último tema duro y parejo durante las próximas largas semanas por lo que, en una reunión de producción vía satélite celebrada este mediodía entre Daniel Castaño y quien escribe, hemos decidido que antes de que eso ocurra sería conveniente promover todavía más nuestro querido cine argentino antes de que la invasión hollywoodense se haga presente en nuestras vidas. A continuación, mi aporte a esta causa.

Moonrise Kingdom

Lamentamos que en el día de ayer no haya habido posteo ya que el encargado de los jueves, el señor Facu Franco, tiene algunos inconvenientes con la empresa que le suministra el servicio en red. Pronto intentaremos resarcirlos a ustedes, amigos cinéfilos. Como verán, he vuelto al ruedo y nuestros más fieles seguidores sabrán el porqué. Hace algunos meses, cuando mi colega recomendaba La habitación de Fermat, él dijo que si ustedes ingresaban a El Guionista, estaban leyendo el blog de un licenciado: Hoy, tengo el agrado de rectificar esa afirmación, ya que ustedes, en este momento, están leyendo el blog de dos licenciados; y Moonrise Kingdom (Un reino bajo la Luna) es la elegida de esta fecha.

Almost Famous

Existen películas que, de forma clara, se componen de dos grandes mundos. El primero corresponde a la historia propiamente dicha que el film se va a encargar de contar y el segundo viene a ser como un gran contexto o telón de fondo que también busca ser retratado con sus propias características y complejidades mientras actúa como marco para el desarrollo de la acción. Así, películas como The Ides of March nos cuenta la historia de un joven aspirante a trabajar en política y, al mismo tiempo, nos hace un muy buen retrato sobre cómo funciona una campaña en el sistema bipartidista estadounidense. Lo mismo ocurre con la trilogía de El Padrino y el mundo de la mafia y el crimen organizado o con Slumdog Millionaire y la forma en que se vive en la India. Como se pueden ir imaginando, nuestra recomendada del día es de ese estilo de películas por lo que Almost Famous (Casi Famosos) buscará bucear en las profundidades del conflictivo y mágico mundo de la música.

Killing Them Softly

El mundo del séptimo arte encaró este último mes del año con una doble expectativa de acuerdo a las promesas hechas por una nueva entrega de la saga de El Señor de los Anillos de la mano de Peter Jackson que, esta vez, nos ofrece la precuela de esta gran historia denominada El Hobbit (a estrenarse en breve) y también esperando por la única película de este año protagonizada por Brad Pitt, alguien que acostumbra a participar en dos o tres films por año y, hay que decirlo, con un muy buen nivel actoral. ¿Estuvo a la altura de lo esperado? ¿Decepcionó? ¿Veremos al bueno de Brad de la mano de su mujer Angie en las inminentes entregas de premios a realizarse durante el verano? Las respuestas, obviamente, a continuación en esta diatriba cinematográfica sobre Killing Them Softly o Mátalos Suavemente, como dice la canción.

Coach Carter

Me hago presente en mi adorado blog, denominado El Guionista, ya que pude hacerme de un tiempito antes de rendir mi último final. Agradezco al grandioso Facu Franco por reemplazarme este martes (jornada en la cual me tocaba rendir el anteúltimo, de manera satisfactoria) y les aclaro (también a él) que muy difícilmente podré hacerme presente la semana que viene: el motivo está más que claro. Pero ahora pasemos a lo que hoy nos reúne: Coach Carter (Juego de honor), una película que me resultó inspiradora.

2 Days in Paris/New York

Sé que nuestros lectores ya se están cansando de mis reiteradas apariciones en este espacio y que piden a gritos por el retorno del otro integrante de El Guionista. Pero sepan entender que el bueno de Dani Castaño se encuentra enfrentando arduas jornadas de estudio (?) porque, si todo sale bien como esperamos, este día martes se hará con el tan ansiado título universitario que por demás merece. Por eso lo estamos bancando en estos momentos culminantes de su vida educativa. Y como justamente la idea es que mis críticas no lleguen a saturarlos, hoy decidí romper un poco el molde y ofrecerles, a falta de una, dos películas para que tengan en cuenta en este momento del año donde las telenovelas o los campeonatos de futbol llegan a su fin y uno no tiene un joraca para ver a la noche.

Your Sister's Sister

Como todos los años, el mes de diciembre se caracteriza por agasajar a los alumnos universitarios con una buena dosis de exámenes finales de todo tipo y color. De esta manera, míster Castaño se encuentra, mientras yo escribo estas líneas, limpiando de su frente ese nervioso sudor que lo ataca a uno antes de entrar a rendir tal o cual materia. Ahora bien, como yo tuve la dicha de aprobar todas mis asignaturas hace exactamente un año, en esta época tengo las mismas responsabilidades que timbre de avión, ergo me iré encargando de reemplazar a mi querido compañero cuando a él el deber se lo impida. Como ocurre hoy, día en el que les traigo otra muy linda propuesta de cine alternativo y poco taquillero. Pasen y vean.

The Perks of Being a Wallflower

Hoy bien podría haberme excusado en la continuidad de los festejos por cierto campeonato ganado por cierto equipo del fútbol argentino en la jornada de ayer para no hacerme presente con mis obligaciones guionisteras, pero decidí que los millones de seguidores que este espacio tiene alrededor del mundo no merecen ese destrato por mi parte. Por ese motivo, no solo les ofrezco otra de mis brillantes críticas cinematográficas sino que además lo hago con un estreno que, desde mi humilde lugar, ya voy postulando para que sea premiado en la temporada veraniega, al menos, por su excelente guión original, su música o algunos otros elementos destacados a los que paso a referirme.

Das Leben Der Anderen

Actualmente, mi tiempo disponible para el ocio es menor de lo que me gustaría. Se aproximan mis últimos finales y los largometrajes más comentados para llevarse las distintas premiaciones, aún están lejos de nuestro país. Es por eso que, de ponerme a ver una película, imploro que sea alguna que me deje algo. Muchas veces me han recomendado Das Leben Der Anderen (La vida de los otros, The Lives of Others) y hacía tiempo que no disfrutaba del cine alemán. Con sólo ver el inicio me di cuenta de que realmente iba a ser una jornada cinéfila muy placentera y de que todos aquellos que me insistían para que la viese, tenían razón.

Adventureland

Hace un largo tiempo ya, recuerdo las palabras de mi socio Daniel Castaño cuando expresaba su cariño y gusto por las películas catalogadas por él mismo como “dramas de pueblo chico”, un género que no existe como tal (quiero decir que no está entre los géneros clásicos en los que uno suele pensar a la hora de clasificar una película), pero que fue magistralmente definido por el co-autor de este espacio ya que al pensar en “dramas de pueblo chico”, uno sabe perfectamente de qué estamos hablando. Esa definición fue parte de su crítica sobre You can count on me, un gran exponente de este estilo de cine, que guarda relación con otros varios ejemplos similares que, entre otras características, comparten una cosa: todas son grandes películas.

Middle Men

Aquellos que son o fueron estudiantes universitarios lo sabrán y los que no, por el calendario, podrán sospecharlo: la fecha de finales se aproximan y, en mi caso, serán los dos últimos (si Dios y Diegote así lo quieren). Así que cada vez dispongo de menos tiempo para poder dedicarme al ocio y disfrutar del séptimo arte (probablemente, mi querido amigo, Facu Franco, deba relevarme alguna que otra vez). Por este motivo es que si tengo la oportunidad de engancharme en la televisión con algún film, lo comentaré. Este es el caso de Middle Men, film que ha sido traducido pésimamente alrededor de todo el globo (por ejemplo, en Argentina, como La Red Sexual).

You Don't Know Jack

Quiero dejar en claro que tengo muchísimo respeto por los profesores de historia, por los libros de texto que se encargan de contarnos lo que pasó en una época que no vivimos y por todo el sistema educativo en general, al margen de todos los defectos y errores que presente. Sin embargo, creo que, por lejos, la mejor manera de contar la vida de alguien, de explicar algún suceso en especial o de transmitir lo que se vivía en tal o cual nación en un período determinado es hacer una película que se encargue de ello. No voy a ponerme a enumerar ejemplos que ilustren este punto porque la lista sería tan injusta como interminable, les dejo ese trabajo a ustedes que probablemente tengan varios títulos que, de la mano de algún docente inspirado en tiempos del colegio secundario, les haya contado la Historia a través de una pantalla. En este caso, no creo que nuestra recomendada de hoy pase a formar parte del programa de estudios de ninguna asignatura, por lo menos en el corto plazo, por lo que hemos decidido que El Guionista sea el encargado de hacerles ver You Don’t Know Jack, la fascinante historia de un hombre conocido como el Doctor Muerte.

The Firm

Todas, absolutamente todas las películas que uno va a disfrutar por primera vez deben verse de corrido, sin pausas. Eso es lo que yo creo fuertemente. No empieces a ver una película que sabés que no vas a poder terminar. Por algo las cintas se hicieron para verlas en un cine y con duraciones promedio, porque cualquier corte rompe con el clima que se había generado en la sala. Como ejemplo voy a citar a The Firm (La tapadera, Fachada) que sin ser una obra de culto, como cualquier película de suspenso, se ve perjudicada si es proyectada por televisión, por lo que mencioné anteriormente.

Safety Not Guaranteed

La teoría explica que son varios los elementos que una película debe incluir para lograr los distintos objetivos que se plantea; esto es entretener, contar una historia y, en última instancia, dejar un mensaje. Evolución en los personajes, puntos de giro, clímax, desenlace y demás son algunos de estos requisitos. Sin embargo, queda claro que el más importante es el que se denomina “desencadenante” o “detonante”, un suceso que ocurre durante los primeros diez o quince minutos de la película y que desata la acción posterior, logrando también “enganchar” al público que, salvo una catástrofe en las siguientes escenas, ya no dejará de ver el resto del film. Fue precisamente este componente cinematográfico el que inmediatamente me vino a la cabeza cuando empecé a ver Safety not Guaranteed, nuestra recomendada de hoy.

Borat

En el maravilloso mundo del séptimo arte, podemos encontrar esas películas que se imponen por la masiva aceptación del gran público. Es difícil saber cuántas de ellas pueden ser catalogadas como “clásicos” u “obras de culto” (muchas de ellas no llegan ni al calificativo de regular) pero su repercusión es innegable y suelen ser mencionadas entre amigos, familiares o compañeros. Así, corriendo gracias al boca a boca, es que me enteré de la existencia de Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan, popularmente más conocida como Borat.

Infancia Clandestina

Hay infinidad de temas que el cine, a lo largo de la historia, se ha encargado de tratar hasta el hartazgo. La segunda Guerra Mundial, la vida de Cristo, diversos escándalos políticos como el tristemente célebre Watergate o, viniendo más acá en el tiempo, el atentado del 11S son solo algunos de los acontecimientos que se han llevado su buena cuota de celuloide a lo largo de los años. Por supuesto, cada país también tiene sus propios temas recurrentes y, en el caso de la Argentina, el más recurrente de todos es el período histórico que conocemos como “la Dictadura”, lapso comprendido entre los años 1976 y 1983, cuando nuestro país sufrió el último y más sangriento período con un gobierno de facto al mando. Documentales, especiales por TV, informes periodísticos y, por supuesto, varias películas se han encargado de tratar este tema básicamente con la misma mirada o desde una perspectiva similar. Por esta razón, estoy seguro de que los realizadores de Infancia Clandestina, nuestra recomendada del día, se plantearon el desafío de romper con esta uniformidad de criterio a la hora de encarar un proyecto que, una vez más, iba a retomar el tema de la Dictadura Militar. Bueno, antes de pasar a mis conclusiones sobre la película, debo decirles que cumplieron con su cometido.

Marathon Man

Definamos “clásico”: “Algo que se tiene por modelo digno de imitación” o “algo que, por su importancia y valor, ha entrado a formar parte de la historia”. Cualquiera de esas apreciaciones me parecen correctas. Así como Radio Aspen nos vende temas del año pasado, enmarcados como “canciones que, en el futuro, serán clásicos” (simplemente para no quedarse afuera de la competencia y cobrar algunos sobres de las productoras y disqueras más importantes), cualquier espectador o cinéfilo puede presumir cuales de las obras actuales, en un futuro, se convertirán en clásicos. Por suerte, la señal de cable TCM (Turner Classic Movies) completa su programación con largometrajes y series de antaño como otras “no tan viejas” y, hace unos días, transmitieron Marathon Man; película que hoy pondré bajo la lupa para definir, desde mi perspectiva, si entra en la historia del séptimo arte como clásico o no.

Take This Waltz

Una combinación de ciertos factores -entre los que se cuentan un par de cortes de luz debido a las altas temperaturas, ciertas nuevas obligaciones que he adquirido (?) y la disputa del Torneo Inicial del Fútbol Argentino durante la semana- me mantuvo alejado del séptimo arte por un período de cinco o seis días, todo un récord para mi persona. Es por eso que, al sentarme a escribir la crítica de hoy, ningún film se hacía presente en mi mente de forma espontánea. Fue entonces cuando mi cabeza realizó, gracias a las rueditas de la silla de mi escritorio, un giro de 180 grados para que yo pudiera centrar mi atención en los más de 550 títulos que hoy por hoy conforman mi DVDteca personal. Gracias a este recurso reparé en que este mítico blog de cine todavía no se había referido a Take this Waltz, una muy buena comedia romántica que se suma a la lista de películas que, en los últimos años, han reconfigurado este magnífico género como parte de un fenómeno contemporáneo al que ya hice referencia en mi comentario sobre Happythankyoumoreplease.

The Boxer

Existen esa clase de películas que se basan en el peso específico de sus protagonistas. Si a eso le agregamos un guión (la parte fundamental de cualquier historia, en mi opinión) entre correcto y bueno más un contexto seductor, seguramente logremos una aceptable película. Ahora, si damos un salto de calidad en todos esos aspectos, el resultado final dará un atractivo largometraje: este es el caso de The Boxer (Golpe a la vida) que se desplaza el cuadrilátero, entre el deporte, el terrorismo y la pasión; dispuesto a dar pelea en todos esos frentes de la mano de uno de los mejores actores de los últimos veinte años.

Mr. Magorium's Wonder Emporium

Ser fanático de un actor es un arma de doble filo. Dentro de mi experiencia, no son tantos los actores/actrices que entren en la lista de aquellos que merecen mi fanatismo -probablemente solo sean dos o tres- pero cuando acceden a esa categoría, mi siguiente paso es tratar de ver todas o la gran mayoría de sus películas. Por consiguiente, hay grandes posibilidades de tener que fumarse ciertos bodrios solo para ver la participación de tal o cual intérprete que, en algunos casos, tiene escasa ingerencia en una historia que resulta insalvable a pesar de su presencia. Sin embargo, esta práctica de seguimiento actoril también puede brindarnos grandes satisfacciones cuando ocurre que nos sentamos a ver cierto film del que nunca hubiéramos siquiera escuchado hablar si no fuera protagonizado por nuestro ídolo y termina siendo una grata sorpresa que aporta color y felicidad a nuestras, de otro modo, grises y vacías vidas. Todo este preámbulo sirve para darme pie a que les cuente -o les reitere- mi inmenso cariño y admiración hacia Natalie Portman, actriz que me obligó a ver Mr. Magorium’s Wonder Emporium, película que hoy les recomiendo con gran placer.

Up In The Air

Suele pasarme que, haciendo zapping, encuentro películas que nunca antes había visto y, muchas de ellas, me fueron bastante recomendadas. Frente a esto tengo dos opciones: decido quedarme en ese canal para verla o paso de largo y me comprometo a verla desde el principio en mi dvd. Mi respuesta más común es la segunda; y después de que me pasara muchas veces con el film que hoy paso a criticar, decidí darle un poco menos de dos horas totales de mi atención. Es por eso que aquí les traigo Up In The Air (Amor sin escalas –pésima traducción y sin sentido-), película que algunos la han clasificado como comedia y la verdad que de cómica no tiene nada.

Scott Pilgrim vs. the World

Infinidad de películas se han basado, o han encontrado una historia que contar, en la literatura, especialmente en su formato novelado, pero existen también cuentos cortos u obras de teatro que han llegado al cine con la misma facilidad. De la misma manera, historias reales que se destacan por H o por B también han aportado ideas al cine, mientras que los guiones originales son el principal recurso del que se sirve esta industria audiovisual. Pero la cosa no se queda ahí. Existe otra fuente que, en menor medida, ha sabido llegar a la gran pantalla y esa fuente son los comics o historietas que, con los superhéroes como principales exponentes, nos han regalado grandes historias, como es el caso de mi querida V de Venganza. Pero lo que hoy les traigo no es una película basada en un comic. Porque, desde mi puntos de vista, Scott Pilgrim vs. the World es una historieta en movimiento.

El Mariachi

Además de acercarles las últimas superproducciones, los grandes clásicos o intentar abrirles sus horizontes cinematográficos hacia otros cines de lugares recónditos; también queremos revalorar al cine independiente. Muchos de sus exponentes se convirtieron en éxitos de taquilla o pasaron a un nivel superior, al adquirir el título de obra de culto. Lo interesante es saber cómo llegaron a eso y conocer los obstáculos que debieron encarar. Arriesgarse y pensar siempre en positivo, en la teoría, suenan muy bello al oído, pero todos sabemos que es muy difícil llevarlo a la práctica. Sin embargo, la historia de Robert Rodriguez y El Mariachi, es un claro ejemplo de que se puede.

Skyfall

No es que yo me considere un experto en el tema, pero a lo largo de estos años que llevo de vida, vi todas las películas de James Bond protagonizadas por Daniel Craig, todas las estelarizadas por su antecesor, el bueno de Pierce Brosnan, y alguna que otra donde el mítico agente 007 era interpretado por Sean Connery o Roger Moore, ya no me acuerdo cuál de los dos. En base a esta modesta pero suficiente experiencia en el tema, creo que estoy en condiciones de decir que Quantum of Solace, la que hasta la semana pasada era “la última de Bond”, es de las más flojitas de esta gran franquicia, mientras que el gran acierto que supuso poner a Sam Mendes (Belleza Americana, Road to Perdition, Revolutionary Road) en la silla del director convirtió a Skyfall, nuestro estreno recomendado del día, en la mejor película que hasta ahora yo he visto del agente secreto británico creado por Ian Fleming. ¿Querés saber por qué? Seguí leyendo esta crítica de El Guionista, papá.

Argo

Lo comenté anteriormente: Argo iba a ser la obra bisagra de Ben Affleck. Luego de sus trabajos como director en Gone Baby Gone y The Town, esperaba ver otro fantástico policial. Ante esta película me preparé de una manera muy especial: directamente, no me preparé. No quise leer el argumento, ni ver ningún avance. Solamente sorprenderme en la misma sala. Cuando comenzaron a rodar los primeros minutos del rollo, con una soberbia introducción animada apoderándose de la gran pantalla, supe que no iba a ser del género crimen pero que, igualmente, sí iba a ser una intrigante película.

The Maiden Heist

Por lo general, trato de escaparle a las películas que nos son vendidas bajo el género “crimen/comedia” porque, por lo menos en mi experiencia, este tipo de cintas suele quedarse a mitad de camino entre todas las bondades que puede ofrecer un buen film humorístico y toda la intriga y el suspenso que vienen de la mano de las producciones criminalísticas. Sin embargo, una vez más decidí hacer a un lado mis preconceptos y darle una oportunidad a nuestra recomendada de hoy en base, pura y exclusivamente, a los enormes actores que la protagonizan. Y no me arrepentí. Porque no solo logra combinar la tensión con el humor en perfectas dosis, sino que además termina sorprendiendo a propios y extraños con un mensaje de lo más profundo y comprometido de la mano de una historia tan original como entretenida. Pasen y vean, yo sé lo que les digo.

Ted

Hace unos meses, cuando me interioricé con el argumento de este film, puse a Ted entre las películas desestimables de 2012. ¿Un osito que toma vida y habla? Olvídenlo. Pero las críticas y los comentarios muy favorables de personas cercanas me hicieron rever mi postura. Les presento a Ted, película que, debo aclararles, no es para niños… A ver si lo entienden, padres que llevaron a sus hijos menores de 10 años al cine, ¡No es para niños! Bien, continuemos con la crítica.

One Hour Photo

Cuando faltan apenas unos pocos meses para que nuestro querido Guionista cumpla dos años de vida (aclaramos que estamos preparando un festejo sin precedentes, con grandes premios, fuegos artificiales e invitados especiales como el Pirata Barba Negra y la línea de golpeo de los Flashers de Philadelphia), me pareció pertinente recordar uno de nuestros principales propósitos que consiste en tratar de difundir ciertas películas sin tanto renombre, poco conocidas por el gran público y que valen la pena tanto o más que las grandes superproducciones hollywoodenses que nos anuncian y publicitan con un año de anticipación a su estreno. Pidiéndoles que se sumen a esta iniciativa y ustedes también nos recomienden sus películas “desconocidas” favoritas, paso a profundizar un poco sobre One Hour Photo, una muy buena propuesta para los amantes del cine de suspenso.

The Town

Cuando dimos vida a El Guionista, por marzo de 2011, todavía estaban tibias las sobras de la 83º ceremonia de los Premios Oscar, cuya ganadora fue El Discurso del Rey, por sobre otras como El Origen, El Cisne Negro o Red Social. Cierta nostalgia viene a mí al recordar que, durante esos primeros pasos dados, nuestra primera encuesta fue acerca de cuál película creías que debería haber obtenido el máximo galardón. No obstante (y volviendo a lo que hoy importa), hubo un film que pasó bastante desapercibido para la mayoría de festivales y certámenes; pero no así para la crítica y el público: The Town, dirigida por Ben Affleck, probablemente haya sido el mejor policial de ese año.

Happythankyoumoreplease

Tengo que agradecerles a los productores, directores y, sobre todo, a los guionistas de las comedias románticas por haberse dado cuenta. Por haberse dado cuenta de que ese formato de dos personas generalmente jóvenes y bellas que se conocen en circunstancias risueñas y que después están alrededor de ochenta minutos odiándose por alguna razón sin importancia para, finalmente, terminar viviendo felices para siempre, estaba muy bien para los '90 o para esa época donde recién nacían las comedias románticas del estilo Tienes un e-mail o Cómo perder a un hombre en diez días. Pero ya está. Claramente el público se cansó de ese tipo de cintas medio ingenuas y bastante boludonas, por lo que yo celebro que los realizadores de películas del mencionado género hayan sabido dar el salto y hoy nos ofrezcan historias distintas y con significado (como la que hoy criticamos, que sigue la línea de éxitos como 500 Días con Ella o Easy A), que logran dejarnos pensando en cosas un poco más profundas que “qué buena está Kate Hudson” o “me encantaría saber cuánto garpa de gimnasio Matthew McConaughey”.

Papurika

El género animación es, sencillamente, magnífico. En él se puede retratar todo lo que a uno se le ocurra y tiene la gran ductilidad de abarcar todas las edades. Usualmente, el gran público, si de “dibujitos” se trata, es más asiduo a consumir obras de Disney o Pixar, como Valiente o Enredados (para citar las más recientes). Pero en la categoría de animación japonesa, se esconde un mundo lleno de matices. Ya que todos desde pequeños nos hemos criado con varios de sus principales exponentes, al crecer, podemos etiquetar de inmaduros o infantiles a aquellos que los siguen viendo. Sin embargo, existe todo un cine, sumamente galardonado y reconocido, cuyas propuestas y planteos son mucho más adultos de lo que podemos pensar, previamente: tal es el caso de Papurika (Paprika, detective de los sueños).

Casablanca

Quiero aprovechar este lluvioso pero pintoresco lunes para hablar de un fenómeno al que no nos hemos referido todavía pero que parece ser una tendencia cada vez más firme en el mundo del séptimo arte: los re-estrenos. Pero antes, quiero remitirme a la Real Academia Española. Re-estreno: dícese de la película medio vetusta que ha tenido éxito en el pasado y que ahora vuelve al cine con el objetivo de seguir currando sin invertir en actores, director, productores, vestuaristas, editores y demás yerbas. Bueno, es muy probable que la definición sea bastante coherente con la realidad, pero también me gustaría darle un poco de crédito al que pensó en devolverle a los cines clásicos como Casablanca (o Esperando la Carroza, que se re-estrena el próximo jueves) ya que es una magnífica oportunidad para que generaciones que no pudieron experimentar este tipo de films en su sala de cine amiga, ahora puedan hacerlo o simplemente para difundir ciertas películas que, dado su importante añejamiento, son ignoradas por el piberío de hoy.

Carancho

No hace falta decir que el especialista en cine nacional, de este humilde pero maravilloso espacio dedicado al séptimo arte llamado El Guionista, es Facundo Franco. Sin embargo, a veces me sucede que necesito algo bien argentino con que distraerme o que, directamente, necesito cuotas actorales de Darín. Además, creo que es una excelente oportunidad de hacer conocer nuestro cine a ustedes, queridos seguidores, ya que tenemos la suerte de haber superado las 40.000 visitas y de ser leídos por muchos cinéfilos de distintas partes del mundo (Estados Unidos, España, México, Chile, entre otros países).

Rescue Dawn

Bienvenidos, nuevamente, a la sección que podría denominar “esas películas de las que nunca oíste hablar ni viste por la televisión, y que conociste gracias al maravilloso mundo en red, por pura curiosidad o husmeando en la filmografía de alguno de sus protagonistas”. Ya pensaré un nombre más abreviado, pero así como me sucedió con Fish Tank o Driving Miss Daisy, hoy es el turno de Rescue Dawn (Rescate al amanecer), film que sin presiones de nadie, se declara culpable (al leer mi crítica, comprenderán a qué me refiero).

The Hangover

Compañeros, amigos, conocidos; todos ellos me insistían de que debía ver The Hangover (¿Qué pasó ayer? o Resacón en Las Vegas) pero por alguna razón, de manera inconsciente, me sentía reticente a verla. Luego de haber realizado un corto viaje de fin de semana largo junto a dos amigos y de que ellos hablaran de este film, me convencí de que ya era momento de verla y concluir si era un largometraje más o, de verdad, me estaba perdiendo de mucho.

Looper

Shakespeare fue el que alguna vez dijo que, a la hora de contar historias y ponerse a escribir, existen aproximadamente unos 36 temas sobre los que un autor puede referirse. En consecuencia, la grandeza de una obra la marcará la forma en que la misma trata tal o cuál temática, qué dosis de profundidad, creatividad, capacidad narrativa e ingenio a la hora de crear personajes y situaciones el autor logra plasmar. Queda claro que por un tema de ubicación histórico-temporal, el padre de la lengua inglesa hacía referencia a los temas tratados en novelas, obras de teatro y el resto de los formatos propios de su época. Hoy, varios siglos después, todavía podemos aplicar esta teoría shakesperiana a formatos contemporáneos como el cine, fenómeno que pone a prueba la capacidad de ingenio de los autores modernos y que demuestra, una vez más, la inmensa grandeza del mencionado autor británico. De esta manera, muchas veces resulta necesario crear un mundo completamente nuevo, con sus propias reglas y sus propios habitantes para, en definitiva, referirse a conceptos como la solidaridad o qué cosas uno acepta sacrificar por el bien de otros. Queda claro que estos son los temas que abordará Looper, con su propio universo y sus excelentes personajes sobre los que, a continuación, paso a referirme.

Fish Tank

El cine independiente es ese fruto o vegetal que, cuando está en el supermercado, se encuentra cubierto por otros de su clase que no valen su precio y están muy cercanos a podrirse. Pese a que las grandes compañías y empresas lo vendan enlatado, en packs y de distintos colores, uno insiste en lo natural porque sabe (o tiende a creer) que es lo mejor. Esto me sucedió con Fish Tank; un largometraje del que nunca había escuchado hablar, que sólo conocí buscando la filmografía de uno de sus actores y que me llenó de regocijo; como cuando encontrás ese tomate, rojo y brilloso, que pide a gritos ser parte de una ensalada o convertirse en salsa para los fideos.

The Magic of Belle Isle

Ocasionalmente, me ocurre que termino de ver una película y no sé qué pensar sobre la misma. No le encuentro el sentido, no me queda claro qué se quiso contar y, lo que es más grave, no sé si me gustó o no. Bueno, si alguna vez les ocurrió esto, les cuento que he descubierto tres indicadores (entre tantos que existen) que son una prueba irrefutable de que una película nos gustó. 1. Los extras. Si al terminar el film a uno le dan ganas de ver los “special features” que vienen en el DVD (con entrevistas a los actores, al director, el detrás de escena y demás), eso ya es buena señal. 2. Los títulos. A veces me ocurre que, una vez finalizada la película, me quedo viendo los títulos o créditos del final con el solo objetivo de prolongar la ilusión de que la película todavía no terminó. 3. Las lágrimas. Si un film logra producir en nosotros una emoción tal que nos hace lagrimear un poco, bueno, se puede decir que ya valió la pena. En conclusión, si uno de estos tres indicadores se hace presente luego de ver una película, quiere decir que esta cumplió su objetivo y si los tres elementos se manifiestan de forma conjunta -como me ocurrió a mí anoche luego de ver The Magic of Belle Isle- esto significa que estamos en presencia de una de esas cintas que se presentan muy de vez en cuando.

My Left Foot

Las películas biográficas siempre dan que hablar en la industria cinematográfica. No me he detenido a profundizar lo suficiente en este género pero, según el contexto y la ambientación que el director y la productora decidan hacer, suelen moverse en una gama que va desde un extremo totalmente crudo y sensorial (como La Lista de Schindler o El Pianista) al otro, más dinámico y técnico (como Atrápame si puedes o Red Social). Entre estos bandos se encuentran otras como Walk The Line, Sleepers o Into The Wild. Con esto no quiero decir que unas sean mejores que otras, ya que cada escala tiene deslumbrantes exponentes como otros que dejan bastante que desear. El film que hoy paso a criticar es un claro ejemplo del primer grupo que mencioné.

Notes On A Scandal

Como ocurre en películas como V de Venganza, El Silencio de los Inocentes o The Dark Knight, nuestra recomendada del día es de esas historias que, teniendo un solo protagonista, este personaje principal encontrará una fuerte competencia en otro personaje tan potente y protagónico como la propia estrella del film, marcando una dualidad bastante difícil de lograr pero que resulta de lo más atractiva cuando se la consigue. De esta manera, así como Evey Hammond debe convivir con el enmascarado V, Clarice Starling se enfrenta con el asesino serial Hannibal Lecter y Bruce Wayne hace lo propio con el maniático Guasón, la protagonista de Notes on a Scandal, Barbara Covett (Judi Dench), conocerá a la atractiva y valiente Sheba Hart (Cate Blanchett), marcando así el inicio de una historia que dejará expuestas, de una manera brutal y sincera, las miserias y las barbaridades que una persona puede experimentar cuando se enfrenta a la forma más terrible de la soledad.

Taken 2

Realmente me encantaría saber con precisión la cantidad de dinero que se llevó el “guionista” o “escritor” de la trama de Taken 2, nuestra criticada del día. Y no es que tenga en mis planes chorearle al tipo, no. Solamente me gustaría conocer la cifra para que mi indignación sea más cuantificable. La verdad es que la película está buena, da para ir a verla y todo eso; sin embargo, la única crítica que se me ocurre hacerle es que, salvo por algunos detalles, es exactamente igual a su predecesora, Taken 1, sobre la que pueden interiorizarse a través de este link. Ahora bien, como a mí no me gustan este tipo de prácticas, mi crítica de Taken 2 no será una copia de lo que hemos escrito sobre Taken 1, por lo que les recomiendo firmemente hacer clic en el siguiente “seguir leyendo” (guiño, guiño).

Little Manhattan

Hace algunos días tuve la oportunidad de ver un curioso documental que en breve tendrá su crítica en este blog: Paper Heart. Para los que no lo vieron, la idea de este largometraje consiste en el largo viaje que su protagonista realiza por todo su país entrevistando a todo tipo de personas con la idea de averiguar si el amor verdaderamente existe y, si esto es así, cuál es la mejor definición para este sentimiento. Ahora, más acá en el tiempo -ayer a la noche específicamente-, descubrí que si yo hubiera sido uno de los entrevistados en ese documental y me hubieran preguntado si existe el amor o cómo lo definiría, mi respuesta hubiera consistido en entregarle al entrevistador mi copia en DVD de Little Manhattan.

Flickan Som Lekte Med Elden

Como lo había prometido anteriormente, he decidido terminar las trilogías que comencé a criticar hace un tiempo. Ya lo hicimos con la del Caballero de la Noche como también con la de Infernal Affairs. Hoy es el turno de adentrarme en el segundo capítulo de la trilogía Millennium, titulado Flickan Som Lekte Med Elden (The Girl Who Played With Fire o La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina). Desde ya me veo en la obligación de aclarar que si no vieron la primera parte, Los hombres que no amaban a las mujeres, deberían hacerlo previamente.

Días de Vinilo

Antes de referirme a las bondades de nuestra película recomendada del día, hoy me gustaría empezar por las noticias. No sé si ustedes, ávidos lectores de El Guionista, ya estarán al tanto, pero es obligación de este medio informar que el pasado ha sido un fin de semana de regresos ya que The Big Bang Theory, The Mentalist y Dexter han estrenado sus respectivos nuevos episodios de sus respectivas nuevas temporadas, por lo que les recomendamos que se pongan en contacto con su web pirata amiga y descarguen/vean online los regresos de estas tres excelentes series. Habiéndome referido a este punto, vuelvo a poner su atención sobre Días de Vinilo, la mejor opción que el calendario de estrenos de cine en la Argentina puso a disposición del público esta semana.

Driving Miss Daisy

Curiosidad: de esta manera es que llegué a este film. La anécdota es bastante simplona, pero deja expuesta una realidad. Me resultaba interesante saber cuál fue la ganadora del Oscar a mejor película, el año en que yo nací. Así es cómo conocí a Driving Miss Daisy (Conduciendo a Miss Daisy), una obra de la que jamás había escuchado mencionar y nunca vi en la televisión desde que recuerdo haber tenido los más de veinte canales de películas de cable.